Dois filmes de Takeshi Kitano, em abril na Max

por max 2. abril 2011 16:51

 


Depois de ser um ator cômico muito famoso, Takeshi Kitano passou a se tornar um dos diretores mais importantes do Japão. Kitano não é só um cineasta e comediante, também é um ator, poeta e pintor. Mas talvez, acima de tudo, Kitano é um palhaço. Não digo isso com desprezo. Kitano, além de palhaço existencial, tem o humor e o ceticismo dentro dele. O palhaço sabe que o mundo é uma bagunça, e ainda acredita nele. Mas a sua crença no mundo é colorida por uma distância inteligente, cética, não sei se niilista. O palhaço, no final, deve terminar por acreditar na humanidade. Mas para acreditar, precisa de se defender, a defesa o mantém firme. E isso é conseguido através do humor. Escuro, sarcástico, doce, aparentemente inocente. Sempre o humor é uma ferramenta de defesa e ataque contra o mundo, este lugar violento, esse lugar que nos torna violentos. Kitano sabe disso e em seguida, alguns de seus filmes mostram um mundo furioso, cruel, brutal, cheio de policiais, da máfia yakuza, de amores radicais, de samurais sanguinários. No entanto, em seus filmes, muitas vezes temperados com humor duro, muito duro, não sabemos se termina ou não de suavizar o golpe da realidade, ou se aprofunda, ainda mais através da remoção do lado horrendo mundo. É o destino do palhaço: vai procurar o riso e volta abatido, espancado, rasgado pelas lágrimas. Kitano, palhaço toda a honra, tem a arte que faz viagens entre o sublime e o perturbador. Porque é assim, a sua perspectiva sobre a vida e a sua concepção da arte são integradoras, Kitano coloca tudo no saco do palhaço que carrega a escuridão e a luz.

Este mês, Max tem o prazer de apresentar dois filmes de Takeshi Kitano: Zatoichi (2003) e Aquiles e a Tartaruga (2008).


 

O primeiro, um filme de estilo tradicional, aparentemente, em um mundo feudal, o dos bordéis e despojado de seus poderes de samurai (os chamados ronin). Zatoichi é um personagem criado pelo escritor Kan Shimozawam para suas novelas. Mas no final, os personagens superam as suas barreiras e agora tem raízes profundas na cultura popular japonesa. Zatoichi tem mais de duas dúzias de filmes e muitas séries de TV durante várias décadas. Este é um andarilho cego e jogador que anda de cidade em cidade e realmente é um mestre em esgrima (continua sendo cego). Kitano resgata o personagem (interpretado por ele) e atinge o que eu realmente considero uma obra-prima da arte marcial. Um filme duro, divertido e emocionante em que o personagem principal se eleva com a força de um herói cômico e trágico ao mesmo tempo. O mundo que recria Kitano para Zatoichi é tão real como uma faca, mas também fascinante como um conto de fadas.


 

Aquiles e a tartaruga trabalha mais com a idéia do palhaço através da comédia e o drama. Aqui Kitano também assume o papel de protagonista e interpreta um pintor, é de salientar que suas pinturas são as do próprio Kitano. Estas pinturas podem ser vistas como a imagem da tartaruga, metáfora da arte. Da arte lenta e relaxada, sem ambições de fama e que só se preocupa com dar sentido à vida. Entretanto, a pressão social é sempre grande. O mundo está lá fora, com dentes grandes, e sempre espera algo de nós. Essa é a dialética de sucesso. O sucesso lhe pede para "ser alguém" que "seja original". Ele nos convida à "desigualdade". O sucesso não é fácil, mas menos fácil é a verdadeira arte e acima de tudo a arte da vida. O que acontece quando você aprender a viver a vida, mas não alcança o "sucesso"? Acredito que Kitano faz estas perguntas e tenta apresentá-las sem respostas esmagadoras, neste filme intimista e sosegado que mostra, sem se afastar do humor e de alguma dureza, um aspecto mais sensível do cineasta.

Zatoichi e Aquiles e a tartaruga, um após o outro na nossa dupla especial de Takeshi Kitano, na quarta-feira 06 de abril. Descubra Max.

Para transmissões de Zatoichi, clique aqui.

Para retransmissões de Aquiles e a tartaruga, clique aqui.

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Hedwig – Rock, Amor e Traição, ou o andrógino transexual

por max 31. março 2011 10:17

 

 

Travesti significa alguém que normalmente é um artista de performance que usa roupas de outro sexo. Faz isso como parte do espetáculo e existe a possibilidade de que não tenha uma inclinação natural para isso. Também um travesti é uma pessoa que experimenta inclinação natural por vestir as roupas de outro sexo, mas não necessariamente têm propensão por pessoas do gênero a que pertence. Filmes sobre travestis têm sido muitos. Lembre-se de Some Like it Hot (1959) com Marilyn Monroe, Tony Curtis e Jack Lemmon, Tootsie (1982) com Dustin Hoffman ou Mrs. Doubtfire (1993) com Robin Williams, todos os filmes de Hollywood que tratam de uma forma mais ou menos leve e asséptica a questão. Em Everything You Always Wanted To Know About Sex - But Were Afraid To Ask (1972) Woody Allen apresentou a imagem de macho de modo um pouco mais cru, expondo um cidadão heterossexual muito correto às tentações do travestismo em uma casa estranha e à divulgação pública do segredo. O tema do transexual é muito mais delicado e tem sido tratado menos no mainstream de Hollywood. A questão da transexualidade tem sido pouco estudada cientificamente, e não há um consenso claro para decidir se a pessoa é ou não é transexual. Às vezes é considerado transexual quem sente um desacordo entre seu sexo psicológico e sua anotomía. Também é considerado transexual alguém que fez cirurgia de reconstrução genital ou que já começou tratamento hormonal. Nos filmes de John Waters, Divine, draq queen, artista de cabaré passa por um personagem que não tem conflitos de gênero. Faz seu papel como mulher em um drama ou comédia trash e camp. O cineasta irlandês Neil Jordan sim abordou a figura do travesti ou transexual a partir dos problemas humanos The Crying Game (1992) apresenta-nos Dil (Jave Davidson), um transexual (vou usar o termo para ambos os casos no filme de Jordan) que tem um relacionamento amoroso com um terrorista (Stephen Rea) e que tem a necessidade de esconder a sua natureza para sobreviver. Em Breakfast in Pluto (2005), Jordan aprofunda ainda mais no conflito transexual através do personagem interpretado por Cillian Murphy. Sua identidade, sua nacionalidade, sua humanidade, tudo está em crise no filme de Jordan, uma metáfora da sobrevivência, do preconceito e da intolerância. 

Em Hedwig - Rock, Amor e Traição (Hedwig and the Angry Inch, 2000), John Cameron Mitchell vai muito além das idéias do gênero. Nesta ópera rock, originalmente uma peça off-Broadway, o famoso assunto dos gêneros que tanto ocasionou e ainda provoca sensação na América do Norte, é apresentado como algo mais fluido e complexo em relação ao que foi discutido em outros filmes. O próprio cineasta disse em uma entrevista: com o personagem de Hedwig procurava dar um sentido de totalidade, de androginia, digamos assim, e não de gênero. Na verdade, no início do filme apresenta-nos uma pequena história sobre a origem do amor que aparece em O Banquete de Platão, que afirma que no início os homens eram dois seres em um, eram andróginos perfeitos com dois braços, duas pernas, e assim por diante. Mas os deuses, invejosos do poder desses andróginos, dividiu-os e assim, a partir de então, cada homem procura sua outra metade. Enquanto essa outra metade foi considerada em função do amor, a outra metade, o casal, a interpretação da história também se aplica ao mesmo ser humano como um tudo, onde deve existir uma combinação de masculino e feminino no processo da perfeição espiritual. Essa idéia pode ser interpretada como uma metáfora na qual a intuição e a razão devem andar juntas para forjar um homem ideal. Da mesma forma, este argumento Platônico pode ser feito de concreto, ou seja, de carne e osso na figura do transexual. Hedwig (Cameron Mitchell), nascido em Hansel e homem, termina se definindo como um ser diferente, e como consequência do seu caso com um soldado americano e sua necessidade de fugir de Berlim Oriental, faz uma operação de mudança de sexo, que lhe deixa um pedaço de carne mal feita que Hedwig batiza como "polegada furiosa". Ao longo dos anos, o soldado abandona Hedwig em algum lugar nos Estados Unidos (vai embora com outro homem), e Hedwig, para aliviar a dor funda uma banda de rock (que é uma reminiscência de David Bowie, Velvet Underground, Iggy Pop e muito glam-rock). Com o tempo, nosso herói conhece um garoto com o que vai ter um romance e que vai roubar as suas canções. Tommy Gnosis (Michael Pitt), deixa ela (Hedwig, ela) e acaba se tornando famoso com a música plagiada. Eis então que a verdadeira aventura começa. Hedwig vai atrás em busca de Tommy Gnosis, e isso implica uma turnê de rock nos lugares mais inesperados. Assim, Hedwig e a polegada furiosa é apresentada como uma ópera-rock que vai na alma deste ser complexo, que busca a plenitude, não num sexo específico, mas em sua humanidade. Uma aventura, uma road movie, uma comédia, um musical, um drama, uma declaração de princípios transfada em uma obra de arte. 

Hedwig - Rock, Amor e Traição, assista na terça-feira 05 de abril. Descubra Max. 

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Boneca Inflável ou o ar que preenche a existência

por max 29. março 2011 08:46

 

Um homem solitário tem uma boneca inflável em casa. É carinhoso, fala com ela, lhe dá banho, fazem amor. Um dia, a boneca ganha vida e sai para o mundo. O que aconteceu? O homem contagiou algum tipo de "doença" para a boneca? Ele lhe deu o ar da vida? Ou talvez adoeceu pelo ar da solidão? Sair para o mundo, andar por ele, pode não significar estar vivo. Ou talvez devemos compreender que o ar da solidão não é inteiramente indesejável quando se olha para o mundo cheio de ternura ou inocência. Lá vai a boneca humana, vestida com saias curtinhas de empregada, perseguindo as criancinhas japonesas (porque esta história acontece no Japão). Crianças com capacetes amarelos andando sobre uma ponte. Existe alguma beleza ali, uma certa beleza triste nos olhos da boneca que olha essas crianças com capacetes. Afinal de contas, talvez a piedade, os olhos inocentes, definem essas belezas. O cineasta Hirokazu Koreeda apresenta Boneca Inflável (Air Doll, 2009), um filme que investiga a condição humana. Porque é assim, essa parece ser a questão fundamental do filme. O que é ser humano? Quem caminha pela rua, é um ser humano? A solidão nos rouba a humanidade? A solidão é um caminho para chegar ao ser humano? E finalmente, o amor e a sua inocência é a única coisa que nos dá alma? Questões complexas, e talvez respostas simples não tão simples. Koreeda, já tinha trabalhado sobre a questão da inocência e a sua perda em Ninguém sabe (2004), filme onde um grupo de crianças tem de enfrentar a destruição das suas pequenas dimensões, a Terra do Nunca, por causa do abandono da mãe. Com Boneca Inflável temos algo de Pinóquio no fundo, mas este Pinóquio é do sexo feminino, o que permite Koreeda explorar a imagem da mulher na sociedade do Japão com uma originalidade nada comum.

Por outro lado, também é interessante abordar Boneca Inflável à luz dos acontecimentos recentes. Já escritores como Ryu Murakami apontavam para uma queda no vazio da sociedade japonesa. O Japão estava perdendo força, segundo alguns críticos. O ideal nacional de reconstrução que surgiu a partir da Segunda Guerra Mundial, começou a minguar. O Japão, de acordo com os analistas, tinha afundado na apatia daqueles que tinham atingido os seus objetivos. Por isso filmes como Boneca Inflável, retratam a crise profunda da alma japonesa do início do século XXI. Agora, após as tragédias recentes, novas questões sobre aqueles olhares. O Japão irá mergulhar numa completa derrota ou pelo contrário, vai encontrar nisso um dos principais motivos para abraçar o futuro? O futuro como forma de vida, o futuro como motor da alma. O futuro como meta comum. Boneca Inflável, anterior à tragédia, é um filme de dispersão, de vazios, de respostas que acordam a imaginação, o amor, a ternura e a inocência. Quantos podem compreender a salvação implícita nessa mensagem? Quantos podem realizar tal ato de heroísmo? Koreeda apresenta esses atos principais, mas também no final, os esvazia. Hoje, teríamos que perguntar para o cineasta, se o novo ar do mundo está repleto de atos de força de vontade que surgem a partir da tragédia.

Boneca Inflável, na sexta-feira 01 de abril. Descubra Max.

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As viagens do vento, ou o segredo das histórias nunca param

por max 29. março 2011 06:29

 

 

Um menestrel, um contador de contos, um xamã, um narrador nunca podem parar de contar uma história. Nasceram para isso, esse é o seu destino. Eles são os criadores da alma, do mundo. Nem quando a luz pretende se apagar, o silêncio se torna completo. O menestrel pertence a uma irmandade e, como acontece com a máfia, sair dela não é fácil. Assim, embora o menestrel pretenda parar as forças do seu destino sempre tem mais histórias prontas. Porém seja só uma última história. O menestrel deve contar, deve cantar, pouco antes de se entregar ao grande silêncio. Tal é o caso do filme do colombiano Ciro Guerra, As viagens do vento (2009). É uma espécie de "road movie" contemplativa que se deleita em suas imagens e, paradoxalmente, nos seus silêncios, para contar a história de Ignacio Carrillo (Marciano Martinez), um trovador que, após a morte de sua esposa, decide parar, depois de muitos anos de viagens musicais pela Colômbia. Mas parar, como já mencionamos, não é possível. Como todo bom herdeiro das histórias que formam o mundo, Carillo decide fazer uma última viagem para levar seu acordeão para o seu proprietário original, um professor que lhe ensinou a arte. Como Ulisses, Carrillo faz uma viagem de volta, uma viagem cheia de aventuras. Ao longo do caminho, vai encontrar um garoto que tem um sonho de vida: tornar-se também um trovador. Yull (Fermin Morales) é a herança, a nova voz, o iniciado no caminho daquele louco superior, que cansado, e sem mulher, decide dar uma última olhada e uma última voz às estradas. O diretor parece dizer assim, que as histórias não param, que o relógio necessário sempre continua o seu curso, que o movimento perpétuo real está lá, no segredo das histórias que não param. A viagem nos salva. A iniciação na magia, nos salva. Contar histórias, nos salva ainda mais.

As viagens do vento, terça-feira 29 de março. Descubra Max.

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Elizabeth Taylor, ou a arte de combatir a Beleza

por max 26. março 2011 02:54

 

A beleza e a dor. Se Frida tivesse sido bonita, teria sentido a dor, e com a dor, também teria caído nas profundezas da alma. A dor faz você cair. A dor física torna-se metafísica, filosófica, existencial. A dor é uma espécie de Nirvana amargo amarrado aos ossos. Se Frida tivesse sido bonita, também atriz e também uma vítima da dor, não teria se chamado Frida, mas Elizabeth, Elizabeth Taylor. Porque Taylor era linda e era atriz, uma grande atriz. 

A beleza pode ser uma outra forma de dor. Há mulheres que são dominadas por sua beleza e por isso estão perdidas. Algumas estão lutando contra ela, tentando que a sua inteligência ganhe a batalha. Mas, ao mesmo tempo, há algo na beleza que as joga na sensualidade. Para algumas, a beleza é isso, um demônio dentro delas, um outro ser que as domina. Elizabeth Taylor era uma mulher dominada pela sua beleza, pelo demônio da beleza? A dor a dominava, é claro. Um problema eterno nas costas, um tumor cerebral. Algo profundo a estava ferindo. Ela lutou contra o vício. Sem dúvida, algo a feriu. E já dissemos, era linda. Você só precisa vê-la em Cleópatra (1963). Foi também uma grande atriz. Você só precisa vê-la em Quem Tem Medo de Virgínia Wolf? (1966). Famosa, talentosa, possuída por sua beleza, Elizabeth casou oito vezes, duas vezes com o mesmo homem: Richard Burton. Acreditava no amor, vivia apaixonada, mas o amor não era duradouro. A beleza podia estar jogando esses truques? Viveu entregando partes de seu coração enorme, e morreu de insuficiência cardíaca. Esta foi Elizabeth Taylor. Uma bela mulher lutando contra a dor, contra a dor física, e contra a dor espiritual. Uma mulher que se dispôs a provar toda a sua vida que a beleza não era o seu único forte. Seus olhos, devo dizer, eram sempre os mesmos. Os olhos de Frida falam de tristeza, os de Elizabeth são insondáveis. Eram lindos, e diziam pouco, não podiam ser decifrados. Talvez olhavam para dentro, em busca de sua alma e as razões da sua alma. Cansada da sua beleza exterior, não queria ser dos outros, porém dela mesma, e talvez por isso seus olhos escondiam a luz que ela precisava para iluminar suas próprias verdades. 

Eu sempre disse que ela devia ter morrido jovem, porque era bonita demais. Que a velhice arruinaria sua imagem, seu mito. Mas não, Taylor foi mais do que uma bela Cleópatra. E continuou a se mostrar ao mundo, foi, talvez, para demonstrar que, apesar da beleza perdida, ela continuava sendo Elizabeth Taylor, atriz, diva, a verdadeira estrela de Hollywood, como ficam poucas. 

Em homenagem à grande atriz, aproveite este domingo, 27 de Março o filme Quem Tem Medo de Virgínia Wolf? Descubra Max. 

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G.P. 506, The Guard Post, ou labirintos, alquimistas e zumbis

por max 17. março 2011 13:48

 

 

1/ Ninguém tem medo de filmes de terror de Hollywood. Porque têm mais sangue e tripas do que terror do bom. Nos últimos tempos, esses filmes são feitos na maioria por japoneses, chineses e coreanos. Alguns dizem que eles começam a ser repetitivos, que o assunto já está esgotado, mas eu acho que eles ainda têm muito a dizer. O que é certo é que um filme de terror vindo da Ásia, não é igual a um filme americano. Eles nos dão o gosto de um bom susto e, pelo menos fazem a tentativa de nos tirar do lugar comum e de nos surpreender.


2/ Na tradição cabalística, o labirinto tem uma função mágica. Para os alquimistas é a imagem global do trabalho da Obra, o caminho a ser seguido para alcançar o centro espiritual, o tesouro dos tesouros. Mas então, o que iria acontecer se essa busca alquimista, em vez de apontar para o bem maior, apontasse para o egoísmo, o ódio, o mal, a loucura? O que seria o labirinto?


3/ A alquimia, a ciência. O experimento científico, a guerra, o mal. Lembro-me de Jacob's Ladder (1990) de Adrian Lyne, onde a alquimia da guerra, a experimentação de drogas para fazer os soldados ainda mais mortais lançam o personagem de Tim Robbins num labirinto de terríveis alucinações. O Alquimista experimenta com metais, com os líquidos do universo, para conhecer quem ele é, para encontrar a maior elevação, a paz profunda. Jacob Singer, sem saber, foi o resultado de uma experiência com produtos químicos. Como resultado, perdeu o seu centro, esqueceu de quem ele era e começou a procurar. Mas essa busca, como sabemos, foi um pesadelo.


4 / O zumbi, na sua versão mais contemporânea, surge como produto de um erro de laboratório, o lugar asséptico, com motivos frios e egoístas, onde estão testando drogas que visam fortalecer o instinto assassino dos homens. O zumbi, como Jacob, é uma vítima da alquimia deturpada. Só que o zumbi, ao contrário de Jacob, não tem oportunidade de buscar a si próprio nem de viver o pesadelo, anda pelo labirinto, sem consciência, sempre doente, faminto por carne e miudezas, não por espiritualidade.


5/ Assim, o labirinto por onde vagueia o zumbi não tem centro, não tem saída. É um labirinto de horror e o horror e a sua alimentação.


6/ Ele se enfrenta com o zumbi do labirinto, ou com esse ser quase zumbi, envenenado de maldade química, rápido, agressivo e inteligente, enfrenta-o como ao pior inimigo, corpo a corpo, armado até os dentes. Só que a boca do canibal cheira mal e não aperta os dentes, leva a boca aberta e não fica contente com matá-lo. Faz você sentir dor, muita dor e saudade e quer destruir você.


7/ Posto de Guarda 506 (G.P. 506 - The Guard Post, 2008), do diretor da Coreia do Sul, Su-chang Kong, explora a imagem do labirinto, do vírus mortal, do zumbi, ou algo similar e, a batalha nesse lugar cheio de cantos, desorientação e pesadelos surpresa. Este é um filme de terror, puro entretenimento, mas sempre contribui com esta variante asiática. Esta não é uma emulação da série Resident Evil. Aqui, além da ação, está presente o horror, o medo na sua forma mais pura.


8/  Posto de Guarda 506, domingo 20 de março. Descubra Max.


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Pink Flamingos, ou os gostos do Camp

por max 15. março 2011 15:30

 

Na visão moderna predomina o homem como sujeito histórico. Ou seja, a modernidade está baseada na tese do desenvolvimento do homem através de sua razão iluminada. A razão guia o mundo, e leva a humanidade à emancipação total de todos os males. Há nessa luz uma concepção unitária da história. O homem tem uma única imagem, coletiva, ou melhor, universal e, portanto, o homem torna-se, como já foi salientado, um sujeito histórico. A concepção histórica é dada, neste caso, por um centro. O Ocidente industrializado destaca como um paradigma de tais noções. A cultura masculina heterossexual permanece como guia de comportamento. A crise da modernidade, ou a crítica profunda que a modernidade começou a receber a partir de eventos determinantes como guerras, desastres biológicos, falhas de certas políticas económicas, trouxe o surgimento das vanguardas e o surgimento de teorias da pós-modernidade. Perguntamos então, por exemplo, qual modernidade podem conhecer pessoas de um país africano que passam fome e vivem em profunda pobreza. A história dessas pessoas, não está em consonância com os princípios de felicidade da modernidade. Podemos também perguntar-nos, dentro deste conceito histórico central, masculino e heterossexual, qual o papel das mulheres, homossexuais, indígenas, párias sociais... Onde está a história para eles? Com a crítica começa então a fratura, a crise do progresso e, claro, da história. Não há um destino único para todos, não é a mesma história. Esta fragmentação é parte do discurso da discutida pós-modernidade. Coloque o nome que quiser, essas críticas surgem e tais idéias permanecem no ar, são captadas, utilizadas, desenvolvidas como um sinal dos tempos em diferentes áreas da vida humana. Uma delas, é a arte, e na arte o camp é uma demonstração dessas novas concepções da história. Uma das características do camp é a presença ou o papel de personagens peculiares, teatrais, travestis, negros, homossexuais, entre outros. O camp é o exagero, a representação teatral da realidade, a glorificação estilizadas de objetos do cotidiano, o artifício. Vamos ver o que diz o famoso ensaio de Susan Sontag "Notas sobre o camp" sobre este assunto. Declara, em princípio, que o camp é uma sensibilidade e, como tal, é mutável e variada. Ainda assim, atreve-se a identificar os pontos em relação a essa sensibilidade: "Para começar, em termos muito gerais: camp é um certo modo de esteticismo. É uma maneira de ver o mundo como um fenômeno estético. Esta forma, a maneira camp não está estabelecida em termos de beleza, porém de grau de artifício, de estilização" Ela também destaca que: "O gosto camp tem preferência por certas artes. Roupas, móveis, todos os elementos da decoração visual, por exemplo, são parte importantes do camp. Muitas vezes o camp é uma arte decorativa, que destaca a textura, a superfície, sensual e o estilo."

Para Sontag, o camp é a tentativa de fazer algo extraordinário, mas sempre no sentido de sedução. Procura seduzir através do excesso e do visual. Enquanto o ready-made despe o objeto cotidiano de seu uso, e assim pretende que seja arte ou uma proposta de arte, o camp pega o objeto que pretendeu ser artístico ou estíptico em determinado momento e adiciona valor em termos de sensibilidade, dentro de sua fantasia ao longo do tempo. Assim, o camp está sempre olhando para o passado, parecer ser de outra era, especialmente daquela onde sobrava a cor. O camp entra na cultura popular, extrai os seus elementos e, assim, torna-se uma crítica dos valores da modernidade. Os seus protagonistas, como nos filmes de John Waters, seres marginalizados, bizarros, andróginos. Aqui temos uma drag queen, Divine, gorda, exagerada, voluptuosa, protagonizando muitos filmes desse autor cult em histórias onde as categorias de beleza e fealdade ficam perdidas em uma espiral teatral, um lugar onde o objeto é apenas um objeto, e onde as histórias são um reflexo perverso e deturpado de uma realidade centralizada demais e muito auto-confiante.

Este mês, Max tem orgulho de apresentar Pink Flamingos na edição de seu 25º aniversário. Um filme de 1972, onde John Waters, a partir do ponto de vista de personagens periféricos, da sátira mais ácida, do exagero e histrionismo, mostra a face escura da sociedade através dos olhos de uma seita que conseguiu explorar a estética do camp na sétima arte.

Pink Flamingos 25th Anniversary, quinta-feira 17 de março. Descubra Max.

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À Procura de Eric, ou uma comédia para Cantona e Loach

por max 11. março 2011 13:56

 

 

Uma comédia, o diretor Ken Loach (The Navigators, Carla's Song, Riff-Raff, Family Life, The Wind That Shakes the Barley, entre outros) traz-nos uma comédia. Por que insisto tanto nesse assunto? Bem, porque Loach é um dos poucos diretores europeus (é britânico) que se resiste a cair na tentação de Hollywood. Como bom europeu de esquerda, Loach defende o realismo socialista nos seus filmes. Por isso, é  estranho que faça uma comédia, quase uma tentativa de trair seus ideais. Mas não com À Procura de Eric (Looking for Eric, 2009) aqui Loach faz uma comédia à sua própria maneira. Uma comédia com um toque profundamente humano, social e solidário.  Loach é assim, sempre preocupado com o povo, pelo povo, como diriam nossos socialistas latino-americanos. E claro, Loach precisava de um bom lugar para o encontro da solidariedade e frescura da comédia. Esse espaço para estar com as pessoas e mostrar a sua alegria. Para um inglês socialista, para um espanhol socialista, para um argentino socialista, é o campo de futebol. O campo cultural onde as pessoas se unem por uma grande idéia, por uma grande emoção. Um lugar que mexe com as paixões, que as pessoas têm dentro. O futebol é como a alma. É uma alma fora, sobre o gramado e com duas balizas. Sim, é verdade que mesmo no campo existe o ódio e a violência, mas Loach não quer falar disso, não quer ver esse lado.  Loach prefere a épica dos homens que se superam através do futebol. Lembre-se que muitas grandes estrelas do futebol vêm de uma origem humilde, saem de grupos sociais marginalizados pela raça, cultura e situação econômica. Lembre-se também que no campo, os homens os onze jogadores, apesar das diferenças se unem para alcançar um único objetivo. O jogador é um herói e como todos os heróis, faz parte de um coletivo. Eric Cantona é um desses heróis. Metade sardo, metade espanhol, nascido em Marselha (não é parisiense, quero dizer) em uma família pobre, Cantona é um exemplo vivo do homem que se superou a si mesmo. E não só isso, também foi um grande jogador. Não só isso, era (ou é) um grande personagem. Lembre-se que Cantona chutou um fã com uma patada de caratê num campo de futebol em 1995, quando jogava pelo Manchester United. Mas o chute no fã Matthew Simmons não foi de graça. Simmons esteve atacando Cantona com insultos raciais e Cantona não agüentou. Mais tarde descubriram que Simmons, era um criminoso com prontuário. Embora Cantona tenha sido suspenso por nove meses e sancionado com serviços à comunidade, ficou como um verdadeiro lutador contra as injustiças do racismo. Mas sua fama não é por um simples chute, Cantona foi sem dúvida um grande jogador e muitos o consideram um homem que pensa muito sobre a vida, alguns acreditam que é um "filósofo". "Eu parei de jogar futebol aos 30, porque perdi  a minha paixão pelo esporte. Enquanto eu sentir a grande paixão que sinto pelo cinema, vou continuar fazendo filmes. Se eu ficar entediado, vou fazer outra coisa." Cantona declarou isso uma vez. E aí está ele, com cerca de quinze filmes em seu currículo como ator e, mais quatro em andamento. Em À Procura de Eric, sob a batuta de Loach, interpreta ele mesmo. Ou seja, Eric Cantona é  Eric Cantona, mas está na mente de outro Eric (Steve Evets), um carteiro fã de futebol, com problemas demais em sua vida.

Aos cinquenta anos, para  Eric, a vida não é o que  imaginou. Sua segunda mulher não aparece em lugar nenhum (acaba de sair da prisão, mas não voltou para casa) e também tem sérios problemas com seus enteados, envolvendo maternidade, desrespeito e relações com gangues. 

Em tal situação, não é surpreendente que o carteiro Eric precise de ajuda, ou pelo menos de alguns conselhos. E é aí que aparece o outro Eric. Nem mais, nem menos que o duro Eric Cantona, que começa aparecendo num jogo de alucinações muito normais ou muito lógicas, e muito equilibradas, por assim dizer. Claro que, para um diretor como Loach, Cantona, o futebol, as gangues, o homem de classe média, tudo é uma oportunidade perfeita para falar de temas que lhe interessam, do homem comum, da sociedade, da solidariedade.  A comédia, para cineastas como Loach, é outra forma de arte.

À Procura de Eric, na terça-feira 15 de março. Descubra Max.

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Mais de Hammer e Christopher Lee, no presente e no futuro

por max 9. março 2011 08:44

 


Enquanto Hammer foi fundada em 1934 e seu apogeu foi entre os anos sessenta e setenta, com os famosos filmes de terror, a empresa retomou as suas atividades para o cinema no início do século XXI com Let me in, a adaptação de Let the Right One In (Låt den rätte komma in, 2008) do diretor sueco Tomas Alfredson, um dos filmes de vampiros mais originais e de melhor qualidade plástica na primeira década deste século e, que pudemos assistir no Max. A versão da Hammer foi lançada nos cinemas em outubro de 2010 e é um filme dirigido por Matt Reeves, o criador da série de televisão Felicity. Ironicamente, Reeves é um fã de filmes de terror. Let me in está protagonizada por dois jovens atores, Kodi Smit-McPhee, que fez um papel muito difícil, em The Road (2009), filme baseado no romance de Cormac McCarthy que ganhou o Pulitzer,e, Chloe Moretz, que neste momento está filmando Hugo Cabret de Martin Scorsese.

Hammer prepara outros dois filmes para 2011. The Woman in Black, uma história, naturalmente, de terror, estrelada por Daniel Radcliffe, o ilustre Harry Potter da telona e, The Resident, filme dirigido pelo famoso diretor de vídeo clipes, o finlandês Antti Jokinen. The Resident, trabalho fortemente influenciado pelo suspense é interpretado por Hilary Swank e o elenco inclui Christopher Lee. Sabemos que Lee, nos últimos anos viu um notável ressurgimento de sua carreira, graças, principalmente, a dois diretores muito famosos no campo da fantasia: Tim Burton e Peter Jakson. Com Jakson, sempre na saga de The Lord of the Rings, onde ele interpreta o bruxo das trevas Saruman; também será visto em breve nos filmes de The Hobbit. Com Burton em filmes como Sleepy Hollow (1999) e Charlie and the Chocolate Factory (2005). Sua voz profunda, é claro, também teve trabalho na série de televisão de Star Wars e nos filmes de Burton Corpse Bride (2005) e Alice in Wonderland (2010). Lee está trabalhando atualmente com Scorsese em Hugo Cabret.

Este mês, assista Christopher Lee e as produções da Hammer na Max. 

E lembre-se, no próximo sábado, o grupo completo.

Descubra Max.

Ciclo especial de Christopher Lee, seus anos na Hammer

por max 2. março 2011 11:18

 

 

Para o vampiro o seu passado é vital. Os vampiros precisam do seu passado porque eles não têm futuro. Porque eles vivem em um eterno presente. No passado estavam vivos, no passado tinham a memória da qual precisam. Assim fogem do esquecimento. O passado é orgulho e, ainda mais no caso dos vampiros que vêm da nobreza, o passado os separa da raça humana. Quando não era um vampiro, aquele homem estava por cima do resto dos mortais. Era nobre, tinha  bondade, beleza e perfeição dentro dele. Também foi Guerreiro, lutou pelo seu povo, pelo seu país e também pelo seu Deus. Assim, o nobre guerreiro e o nobre guerreiro com antepassados guerreiros levavam no seu sangue (o sangue, repito) a sua individualidade da multidão. Tinham no sangue o orgulho, a força, o gosto e a sensibilidade que os tornava diferentes de outros seres humanos.

Falar de Christopher Lee, um dos atores vampiros mais famosos da história do cinema, é falar, precisamente, de um homem com um passado onde existe o chamado sangue azul. Lee era filho da Condesa Estelle Marie Carandini di Sarzano e do Tenente-Coronel Geoffrey Lee Trollope. Seu pai esteve na Guarda Real Britânica e foi condecorado na Guerra dos Bôeres e na Primeira Guerra Mundial. Sua avó materna foi a soprano Marie Carandini.  A família Carandini é uma das mais antigas da Europa, relacionada com Carlos Magno e com o Imperador Frederico Barba Vermelha. Então, como os vampiros, Christopher Lee também transportava sangue azul, também tinha um passado orgulhoso. Lee chegou a dizer, quando soube que sua avó tinha sido uma soprano, que levava a arte de atuar em suas veias. Em seu sangue. Lee, deixe-me dizer, estava destinado desde seu início, para seus papéis de vampiros. Lee era um vampiro perfeito antes de assinar seu contrato com a Hammer Productions em 1956.

Os filmes da Hammer foram de baixo orçamento, mas com enorme sucesso de bilheteria (naqueles anos Corman estava começando). Lee estava lá desde o início. Seu primeiro filme de terror com a Hammer foi The Curse of Frankenstein (1957), onde Lee interpreta o monstro de Frankenstein com Peter Cushing no papel de Victor Frankenstein. Cushing, que também é especializado em filmes de terror e detetive (lembre-se que era um sublime Sherlock Holmes), se tornaria um dos grandes amigos de Lee. Sabemos que Boris Karloff, ator britânico, é o mais conhecido monstro de Frankenstein. Seu papel em 1931, está imortalizado para sempre. Lee veio ocupar um espaço já conquistado. No ano seguinte, em 1958, iria interpretar seu primeiro Drácula. A figura do morto-vivo, lembre-se, também foi interpretada antes, em 1931, por Béla Lugosi. Mas Lee esteve muito bem em seu papel como Drácula. Ele tinha uma educação refinada, o físico, a voz. Drácula e Christopher Lee foram feitos um para o outro. Tanto que chegou a interpretar sete vezes o papel de Drácula para a Hammer, o que fez dele um dos mais memoráveis vampiros nobres da história do cinema.

Este mês, Max preparou uma série especial dedicada ao grande Christopher Lee. Cinco filmes do seu tempo com Hammer Productions, o seu período de ascensão, apogeu (e queda) nos filmes de terror.

Na segunda-feira 7 começará o ciclo com A Múmia (The Mummy, 1959). Quem viu A Múmia, de 1999, estrelado por Brendan Fraser viu a versão moderna do filme original, estrelado por Lee no papel de sacerdote egípcio Kharis (que é por sua vez, a múmia), e Peter Cushing no papel do arqueólogo ( Brendan Frazer na versão contemporânea.) Em grande parte do filme, Lee teve de suportar um grande peso, por causa das bandagens. Como podia se mexer pouco, procurou se concentrar em seus olhos. A crítica recebeu esta interpretação "minimalista", com grandes elogios. Paradoxalmente, devido à limitação das bandagens, considera-se que Lee teve um ótimo desempenho, um dos melhores de sua carreira. O filme é dirigido por Terence Fisher, também britânico, com quem Lee  iria trabalhar a maioria de seus filmes de vampiros.

Na terça-feira 8 aproveite A Maldição de Frankenstein (The Curse of Frankenstein, 1957), filme ao qual já nos referimos, também dirigido por Terence Fisher. Com A Maldição de Frankenstein não só começou  a carreira de Lee, também começaram os clássicos da Hammer. Filmes de entretenimento, barato, com atores de primeira e que produziam um monte de dinheiro. Os produtores viram a partir desse filme a galinha dos ovos de ouro e não a soltaram por um tempo.

Na quarta-feira 9, O Vampiro da Noite (Horror of Dracula, 1958). Enquanto A Maldição de Frankenstein, foi muito importante para o ator, com O Vampiro da Noite finalmente começou a sua carreira como mestre no papel de Conde de grave. Baseado,  é claro, na história de Bram Stocker, o filme toma suas liberdades para criar um ritmo mais cinematográfico, mais próximo do público da sala. Mais uma vez, temos a direção de Terence Fisher e a presença de Peter Cushing, interpretando belamente o arqui-inimigo de Drácula, o muito particular Dr. Van Helsing.

Na quinta-feira 10, aproveite Drácula, O Príncipe das Trevas (Dracula, Prince of Darkness, 1966). Mais de Terence Fisher, desta vez sem Cushing. Transylvania, porões escuros, quatro vítimas, um padre e, naturalmente, mais de Lee como vampiro. Mas sem falar. Porque é assim, neste filme, Lee não fala. Por quê? Alguns dizem que para dar mais poder à atuação de Lee (como no filme que faz a múmia), outros dizem que Lee teria odiado o diálogo do roteirista Jimmy Sangster. A verdade é que o filme é quase um milagre, porque Lee pensava renunciar. Mas quando a Hammer disse a ele que então o filme seria cancelado e as pessoas perderiam os seus empregos, o ator aceitou o papel de novo. Nada pesa mais do que uma consciência culpada.

Na sexta-feira 11, Os Ritos Satânicos de Drácula (The Satanic Rites of Dracula, 1973). Este é o último filme da Hammer sobre o tema dos vampiros. Aqui não temos mais Fisher, o diretor é Alan Gibson, mas temos Cushing no papel de Van Helsing, ou melhor, um descendente do grande Van Helsing (interpretado por Cushing em outros filmes, é claro) Ele investiga em Londres uma série de assassinatos com toques de vampiros. Por trás desses crimes está o Conde Drácula (Lee, é claro), que também tem um plano para irrigar sua doença pelo mundo todo.

Após este grupo de filmes, as histórias de vampiros e o próprio Lee tinham cansado a platéia. Tanto que, três anos depois, em 1976, Lee estaria fazendo Drácula em tom de comédia no filme Dracula and Son. Só ficava invocar o desprezo pelo personagem de nobre passado que tornou tão famoso esse ator de passado, também nobre.

Para encerrar, quero dizer que no sábado, 12, Max criou para nós um lote delicioso com os cinco filmes da semana. Um banquete de sangue, sem dúvida.

Em março, descubra Christopher Lee.

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