Nasce Um Monstro, ou o bebê de Rosemary e Frankenstein foram caminhar um dia

por max 28. setembro 2011 13:03

 

Assim como like It!, com Roddy McDowall, tem a sua referência em Psycho de Alfred Hitchcock, é inevitável que Nasce Um Monstro (It's ALive!, 1974) esteja relacionado com O Bebê de Rosemary (1968) de Roman Polanski. É como se os produtores, roteiristas e o diretor de Nasce Um Monstro partissem da idéia de "O que acontecería se?" E se o bebê monstro ficasse de pé no berço, e pulasse para matar? Esta é talvez um pouco a premissa do último filme que vamos asistir nesta quinta-feira na temporada de B-Movies de Horror. É um filme dirigido por Larry Cohen, um dos grandes autores de filmes B, que como todo autor tem a sua marca, seu estilo, sua influência. Em sua própria cinematografia, Cohen trabalhou em filmes de ficção científica, de terror e de monstros, Nasce Um Monstro, é o primeiro da trilogia mais representativas de monstros da história do cinema B. Após isso, Cohen faria It's ALive! 2, Lives Again (1978) e It's ALive! 3: Island of the ALive, (1987). Cohen foi originalmente um roteirista para a televisão. Sua experiência sempre foi nos filmes policiais, de terror e de fantasia. Antes de fazer suas primeiras contribuições como diretor, escreveu capítulos para séries como Way Out (com Roald Dahl como apresentador), Arrest and Trial, Espionage, The Fugitive, The Rat Patrol, The Invaders y Columbo, entre outras. Como você vê, há uma abundância de questões legais, suspense policial e ficção científica. Seus três primeiros trabalhos para a tela (Bone, Black Caesar, Hell Up in Harlem, de 1972, o primeiro e do 73 os outros dois) estão diretamente relacionados ao aspecto criminal e policial, ao mesmo tempo dramático, com um toque de crítica social, especialmente Bone, que desvenda os segredos de um casal em crise. Mas não é até 1974 com Nasce Um Monstro, que Cohen usou seu conhecimento de horror e ficção científica. Ambos os sexos estão representados ali, como a pequena criatura que se esconde no famoso cartaz do berço, o filho monstruoso, torna-se o produto de um tratamento de fertilidade com algumas drogas ilícitas. Cohen, apesar de ser um diretor de cinema comercial, sempre tem um elemento de crítica social em suas histórias. Talvez seu trabalho nas séries de advogados plantaram alguma sensibilidade no seu espírito. Portanto, Nasce Um Monstro, apresenta um desafio não muito escondido a certas práticas da medicina, ao aborto e especialmente, a uma sociedade que despreza e mata qualquer coisa que possa parecer diferente, que não se encaixa no molde. A criatura neste filme é rejeitada até mesmo por seu pai, que vai mesmo caçar, para destruí-la. Somente quando o pai percebe que o pequeno monstro atua de forma violenta e criminosa por causa do medo, por causa do ódio e do terror que ele inspira, é quando o seu ponto de vista se transforma. Um monte de violência surge da incompreensão, do medo, do dano que já foi feito anteriormente pela violência. O tema do sofrimento da criatura é ainda marcado por outra referencia fílmica e literária. Durante o filme falam e nos levam até Frankenstein (1931) de James Whale. Na verdade, o grito de "Está vivo" é o grito de Dr. Frankenstein, quando a criatura ganha vida eventualmente. Como no filme de Whale e no romance original de Mary Shelley, a criatura, mesmo sem culpa de sua aparência e de sua força brutal, sofre por causa da incompreensão social, da mesma sociedade que de alguma forma o gerou. No entanto, deve notar-se, Nasce Um Monstro É basicamente um filme de monstros, de horror. Este é um filme feito para nos assustar e nos manter colados à telinha, que cumpre a sua missão perfeitamente. Nada como um bom susto à meia-noite, certo?

Nasce Um Monstro, de Larry Cohen, nesta quinta-feira 29 septiempre, na Max.

Chelsea On The Rocks, o hotel dos furacões da alma

por max 24. setembro 2011 04:36

    

Abel Ferrara nasceu no Bronx, é um nova-iorquino com todos da lei. De nascimento, herança de sangue, correndo em suas veias italiana e irlandesa (é possível ser mais Yorker?).

Roteirista, diretor, ator, produtor, Ferrara é um dos diretores-chave na história do cinema americano na década de oitenta e noventa, herdeiro, por assim dizer, do chamado novo cinema americano dos anos setenta, cheio de realismo e violência. Ferrara é a violência dramática ao extremo, filho de Scorsese, de alguma forma. Os dois unem o tema da violência com os temas da cidade de Nova York. Ferrara ficou conhecido no final dos anos setenta (em 1979) com o filme The Driller Killer. Sua personagem era um pintor louco pelo peso da realidade, que saia à noite para encher as mãos de sangue nas ruas de Nova York. Note que este, seu primeiro filme, foi dirigido pelo mesmo Ferrara. Em seguida, vêm Ms. 45 (1981) e Fear City (1986), dois filmes onde a violência da cidade gira em torno das mulheres. No primeiro, uma jovem muda é estuprada duas vezes no mesmo dia e decide tomar a lei nas suas mãos. No segundo, um psicopata anda solto matando nudistas. A rua, à noite, a violência, a loucura, Nova York. Ferrara entra no submundo, nos esgotos, nos becos escuros, olhando para as pessoas: o cafetão, a prostituta, a viciada em drogas, a polícia decadente. A rua é um lugar difícil, e Ferrara sabe retratar isso. Nos anos noventa, atingiu pontos altos em King of New York (1990) e Bad Lieutenant (1992). No primeiro com Christopher Walken, no segundo com Harvey Keitel. Ambos são considerados seus melhores filmes, especialmente Bad Lieutenant.

Em 1996, Ferrera se reúne com Walken em um de seus filmes mais representativos, The Funeral. Então, em 1998, faz um dos filmes de ficção mais estranhos: New Rose Hotel, um filme baseado em uma história do autor de ficção científica William Gibson, também estrelado por Walken, e Willem Dafoe. Em 2008, Ferrara empreende no gênero documentário. Seu primeiro trabalho é um grande sucesso. Com Chelsea on the Rocks, o cineasta volta a Nova York, seu eterno Nova York. Volta da mesma maneira, aos começos da exploração da personalidade artística. Que melhor lugar para falar de Nova York, que aquele onde passaram pela cidade, grandes artistas, glórias e sombras que o Chelsea Hotel? Este lendário hotel, localizado na 222 West 23rd Street, entre Seventh e Eighth Avenue. O hotel tinha quartos de longa duração, onde as pessoas podiam morar com seus livros, panelas, máquinas de escrever e instrumentos musicais. Nos quartos de curta e longa, estiveram uma série de artistas que passaram à história: Leonard Cohen, Dylan Thomas, Bob Dylan, Janis Joplin, Arthur C. Clark, Patti Smith, Robert Mapplethorpe, Andy Warhol, entre outros, foram os inquilinos de Chelsea. Lá amaram, discutiram, beberam, usaram drogas, criaram arte e houve assassinatos. O Hotel Chelsea era uma espécie de vórtice, de furacão de arte, um lugar que para alguns pode ser escuro, para outros brilhante, depende dos olhos de quem vê. Ferrara, em Chelsea on the Rocks utiliza uma grande quantidade de material de arquivo, o que naturalmente é abundante, sendo um lugar tão famoso, mas também explora os trabalhadores e ex-trabalhadores do hotel, os atuais moradores, os peritos, olhando anedotas famosas e íntimas daqueles que trabalharam lá, pessoas sem muita fama, mas com algo interessante a dizer. Entre os entrevistados estão Dennis Hopper, Milos Forman, Robert Crumb, Ethan Hawke, e Grace Jones.

Um filme, sem dúvida, perfeito para Abel Ferrara, o artista das profundezas da alma e as obscuridades e as luzes de uma Nova York que se transforma e não sabemos quantas mutações mais terá. Na verdade, o filme serve para lembrar que hoje o hotel fechou suas portas, e seu futuro é totalmente incerto.

Chelsea on the Rocks, este domingo, 25 de setembro, na Max.

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Continua o ciclo de B-Movies de Horror, desta vez com O Carrasco de Pedra, estelarizada por Roddy McDowall

por max 21. setembro 2011 14:32

 

Continuamos toda quinta-feira de setembro à meia-noite com o ciclo de B-Movies de Terror. Desta vez com Você vai se divertir! Ou O Carrasco de Pedra (It!, 1967), um filme dirigido por Robert J. Leder, autor de filmes B de Horror, fantasia e outros, como The Frozen Dead (1966) e The Candy Man (1969). Ou O Carrasco de Pedra começa com a queima do armazém de um museu. Após o incêndio, a sua diretora, Ellen Grove (Jill Haworth) e seu assistente, Arthur Pimm (Roddy MacDowall) descobrem que só foi possível salvar uma antiga estátua do fogo. Eventualmente torna-se imbuída de um poder obscure, que nas mãos das pessoas erradas pode causar grandes danos. A figura da estátua recorda-nos o famoso mito judaico do golem. Como você se lembra, uma das histórias mais conhecidas do mito do golem é que o criador deste ser surgido da matéria inanimada é o rabino Judah Loew. O mito remonta ao século XVI, em Praga. Em It!, o criador da estátua é o mesmo rabino Loew, assim parece que a estátua não é realmente o que parece, porém é o golem famoso e terrível, um ser poderoso, capaz de criar o caos e a destruição. Pimm, que descobre uma maneira de transformar a estátua do golem, é um ser acomplexado e medroso, cheio de ódios e temores, simillar ao Norman Bates de Psycho (lembre-se que é o filme de Hitchcock, 1960), com complexos e mãe incluídas. Como eu entendi, o golem poderia ser traduzido como matéria indeterminada, mas também estúpido o que leva diretamente ao personagem de Pimm.

Eu salvei este pequeno texto do ator Roddy McDowall, uma das figuras mais importantes dos filmes de fantasia e mistério. McDowall, ator inglês, que saltou para a fama com seu papel de criança Huw em How Green Was My Valley! (1941) de John Ford. Com o tempo, foi virando para os filmes fantásticos. É bem lembrado por ter atuado em todas as versões da saga do Planet of the Apes, fazendo, naturalmente, vários macacos, de Cornelius (o primeiro), passando por César, até chegar a Galen na série de TV. Imagino que Burton queria convidá-lo para sua versão de 2001, mas McDowall morreu em 1998. McDowall foi também um grande amigo de Elizabeth Taylor, em 1963 estrelou o filme Cleoaptra como Octavio. Ele também foi convidado várias vezes para participar da série clássica The Twilight Zone. Tornou-se um vilão (Bookworm) na série de TV Batman dos anos sessenta, foi a voz do Chapeleiro Maluco na série animada do Batman e em 1998, ano de sua morte, como sabemos, esteve nos teatros do mundo como a voz do Mr. Soil no filme A Bug's Life (1998).

Você já sabe, Ou O Carrasco de Pedra, com Roddy McDowall, nesta quinta-feira, B-Movies de Horror, na Max.

222, vinheta 3

por max 21. setembro 2011 13:49

 

Um dia no elevador, Patti conheceu Muhammad Ali, Cassius Marcellus Clay, o grande. Ela era apenas uma garota, um doidinha anônima que nunca imaginou o sucesso que viria em 1975, o ano de Horses, o ano da foto na capa, onde ela sai deitada magrinha, desafiadora, fascinante. Fotografada pelo seu Robert, andrógina. Ela como o homem dos desejos ocultos do seu amante. De qualquer forma, naquele dia, Patti Smith ainda estava longe dos nove álbuns que a tornariam famosa e era apenas Patti, uma poeta que fazia as suas leituras em trajes surrados, calças curtas, botas e camisetas, sempre com aspecto de estar um pouco irritada. Mas então, no pequeno elevador, o que estava em seu rosto era surpresa e admiração. Nunca tinha estado tão perto de uma pessoa famosa. Não era uma celebridade, ela não dava a mínima para isso, nunca tinha estado tão perto de um lutador, de um herói, de um homem que, literalmente, ganhava a vida aos socos. Foi ele, o campeão que voava como uma borboleta e picava como uma vespa, era ele, o homem que havia se recusado a ir para o Vietnã, que havia sido injustamente destituído de seu título por ser contra a guerra. Esse foi realmente um cara durão, um homem de respeito. Você podia ver em seus olhos que ele sabia que era o campeão da sua vida. O campeão sabia olhar. Não como o resto do povo, que não sabia quão importante era o olhar. "Ninguém olha como nós, Patti". Isso tinha dito o seu namorado, seu fotógrafo, seu Robert, seu Mapplethorpe. Se apenas Robert tivesse estado lá. Seguro teria pedido uma imagen para o campeão. Robert ficava fascinado com o corpo bem torneado, o corpo do homem, especialmente negro. Robert disse que alguns corpos negros estavam perto da perfeito platônico. Em alguma ocasião, tinham fantasiado coma aquilo na cama e tinha sido divertido. E agora que ela estava na frente do campeão, sorria lembrando-se da fantasia fazendo um trio com o preto, com ela e com Robert. Seus olhos brilhavam, começou a se mover inquieta, mais do que ela já era. Muhammad Ali percebeu aquilo e sorriu. Ela colocou as mãos no rosto e disse algo, talvez disse, "Eu não posso acreditar", ou algo assim. O campeão viu as calças curtas e as botas de boxe no ombro frágil e perguntou: "Voce também luta?". "É você, certo?" Ela disse entusiasmada. "Claro que sou eu", disse ele, e os companheiros (dois, ou três, talvez) disseram que sim com a cabeça e com brilho nas faces. Em seguida, o campeão lá, naquele pequeno espaço, colocu o corpo no lugar, jogou um par de jabs muito suaves para a garota raquítica e depois voltou para sua posição normal. Todos riram, Patti, também. O elevador abriu, o campeão e seu povo saíram fora. Quando ficou sozinha, Patti pôs as mãos nas témporas e pensou. "Espere que o meu Robert saiba o que aconteceu, espere, espere", disse e quase chorou e quase riu. Estava impressionada e correu para o quarto para contar ao seu Robert o que tinha acontecido. Sem dúvida, para essa garota chamada Patti Smith, o Chelsea Hotel era "uma casa de bonecas em uma área desconhecida."

O Pequeno Indi, ou a perda da primeira utopia

por max 20. setembro 2011 13:50

 

A passagem da inocência para a maturidade é uma aventura (uma aventura?) nada fácil. A inocência é como um campo, um lugar tão perto e tão longe do caos do espesso mundo. Há, nesse mundo, crianças, jovens, que parecem viver em um paraíso terrestre onde as utopias não são necessárias, aqueles lugares onde o corpo escapa de se tornar perfeito, como Foucault diz em "O corpo utópico". Nesse mundo, a natureza é uma constante e lidar com os animais é quase uma conversa. E claro, o mundo adulto, está ao lado e lentamente vai penetrando, poluindo os canais de inocência. Claro que, em algumas vidas, a presença do mundo adulto é mais poderosa, mais prejudicial. Nesses casos, os jovens são mais resistentes à mudança, porque sabem que a chegada de um outro mundo é iminente, mas não apenas iminente, traz problemas enormes e muito dolorosos, eles vão crescer mais rápido que as esperanças dos jovens. O Pequeno Indi (Petit Indi, 2009) do diretor catalão Marc Recha (Pau i el seu germà, Dies d'agost, The Cherry Tree), oferece um olhar para a passagem entre esses dois mundos, num lugar bastante excepcional para seu protagonista, o Arnau jovem (Marc Soto), que vive em contacto com o campo e suas criaturas, mas que também sofrem com a ausência do pai e a prisão da mãe. Recha, um diretor em seus quarenta anos, é um daqueles artistas que já não se lança de cheio às tentações do comercial, eles trabalham os seus pequenos pedaços, os números de vidro suas delicadas figuras de cristal, que fornecem sua sensibilidade, seu sentimento e arte, a sétima arte da Espanha e do mundo. Com Petit Indi, Recha fala sobre seu amor pela natureza, pelo paraíso perdido, pela memória. É um tributo e uma crítica dura e triste ao mesmo tempo. Crescer é se contaminar, crescer é ir contra a natureza para sobreviver, mesmo realizando alguma corrupção por causa do amor. Crescer é entrar em um mundo complexo, cheio de espelhos que enganam e constantemente nos fazem lembrar que estamos aqui e não em outro lugar, não na utopia perdida.

O Pequeno Indi, quarta-feira 21 de Setembro, na Max.

Para retransmissões, clique aqui.

Dupla função de Paul Thomas Anderson: Embriagado de amor e Sangue Negro

por max 17. setembro 2011 05:14

 

 

Nos filmes de Paul Thomas Anderson tudo parece estranho. Este diretor americano de 41 anos de idade nascido na Califórnia, é um dos cineastas mais originais que existem no cinema dos Estados Unidos. Consideremos dois de seus filmes, os dois podem ser apreciados na Max na série dedicada a ele, Paul Thomas Anderson, no mês de setembro.

Os dois filmes são Embriagado de Amor (Punch Drunk-Love, 2002) e Sangue Negro (There Will Be Blood, 2007). Sim, é verdade, ele é mais conhecido por Boogie Nights (1997) e Magnólia (1999). Magnolia, é um drama ensemble, com muito de Raymond Carver, classe média destruída, alcoolismo, fracassos, casamentos quebrados, também com muitos elementos do diretor Robert Altman, mas com P.T Anderson, com aquele elemento estranho da mecânica da sorte, parece existir uma mão que escreve a vida, que escreve a morte. E, claro, há também alguns elementos de fantasia, como o da chuva de sapos, por exemplo. Boogie Nights, também é um filme coral, que mergulha em um mundo capaz de ser estranho em si mesmo: o mundo da pornografia, onde a corrupção, inocência, amizade, fama, drogas, sexo e amor são um cocktail de vertigem. Com Boogie Nights também estamos falando de um drama com muitos recursos usados pelo escritor Carver, mas localizado nas extremidades do mundo do entretenimento.

Sobre os outros dois filmes que nos tocam. Acredito que nestes existe a reinterpretação fundamental do gênero. A reinterpretação que poderíamos chamar de uma forma muito contemporânea, muito pós-moderna no sentido de que não há fidelidade aos padrões de um determinado gênero ou formato (comédia, comédia romântica, drama, drama histórico). P.T. Anderson experiência com eles e faz retornos que são muito mais interessantes.


 

Embriagado de Amor brinca com a comédia, ou seja, parece ser uma comédia. De fato, é estrelado por Adam Sandler e a pessoa se pergunta, Adam Sandler? Ninguém tem nada contra ele... ou mentira, talvez sim. Sinceramente, você sabe que ele parece ser um idiota. Mas então você vê-lo em Embriagado de Amor e muda a sua visão, pelo menos, a minha mudou a respeito de Sandler. Agora eu o respeito como ator. Mas o assunto é que o que parece ser uma comédia, até mesmo uma comédia romântica tem um tom mais escuro, algumas máscaras, um toque dramático e até mesmo cheio de suspense, graças à visão do diretor. A música é importante aqui. A música do filme define o ritmo, marca também o humor do espectador, ajuda a energia, a estranheza do que já falei. Existe uma constante, monótona, mas, ao mesmo tempo saborosa. Não sei se odiar ou gostar. Thomas Anderson também fornece imagens que ajudam a sensação de estar vendo algo incomum, cheio de confusão e beleza. Consegue fazer isso através da arte plástica de Jeremy Blake, com peças de arte difusas, de cores diferentes, que se movem como areia ou gases flutuante de espessura em um vazio. Para não mencionar a história: no início alguém está tentando extorquir Barry Egan (Sandler) por ter feito sexo por telefone e Egan se recusa a aceitar esse absurdo, mas além disso fica com muita raiva (parece um cara calmo em primeiro lugar, mas algo elétrico), porque o personagem tem sérios problemas com o controle da raiva. Lembre-se que Sandler estrelou outro filme sobre a explosão da raiva um ano depois, com Jack Nicholson, uma comédia despretensiosa, que nos faz lembrar com força que P.T. Anderson é outra coisa. Junto com a questão da extorsão e da raiva, aparece uma bela garota chamada Lena (Emily Watson), a heroína da história, uma moça de aparência frágil, bonita que procura o amor de Egan e consegue. Se ficarmos com a história menino-menina, não há dúvida de que este é o padrão de uma comédia romântica, mas é claro, o resto (extorsão, raiva) também entram nesse jogo. O resultado é um filme fascinante que não poupa esforços para dar a reviravolta para o gênero de comédia ou comédia romântica, mas sempre criativo, desde buscar talentos e surpreender-nos com inteligência.

 

 

Sangue Negro, por sua vez, brinca com o drama histórico nacional, tão querido, tão querido para o cinema americano. Poderíamos nomear Gigante para lembrar de qualquer um desses grandes épicos da terra. Aqui temos a presença de Daniel Day-Lewis no papel principal, um teimoso petrolífero, um homem duro, tão duro que é a terra que pretende conquistar. Daniel Plainview é a cara do homem que se fez do nada, um assunto que fascina aqueles que viveram sob o lema da American way of life, o estilo de vida americano. Neste país tudo é possível se você trabalhar duro. Acreditamos em Deus, trabalhe duro. A pragmática protestante que fundou um país é submetida aqui pelo jovem diretor, criando assim um questionamento de idéias sobre o espírito e o nascimento de uma nação. Plainview termina longe dos lugares comuns começam, para se tornar um ser complexo, que duvida de Deus e da hipocrisia da religião, que é tão terrível e avassaladora como a própria terra, quando tira do seu caminho ao homem e sua civilização. É tão ambicioso (talvez não ambicioso, mas profundamente orgulhoso e arrogante) que chega a pôr de lado o seu próprio filho a fim de continuar na sua rota. A força interior de Plainview, essa força que tanto é elogiada no espírito americano, aqui se torna uma faca de dois gumes: levanta, mas também perverte e destrói. Então, mais uma vez, P.T. Anderson reinterpreta um gênero para oferecer uma história intensa, crua, onde até mesmo o protagonista deixa de ser amigável, mas sempre dando-nos algo diferente, surpreendente, cheio de inteligência.

Embriagado de Amor e Sangue Negro, no ciclo de dupla função de Paul Thomas Anderson. Segunda-feira 19 de setembro, na Max.

Epidemia de zumbis, ou um herdeiro de William Seabrook no ciclo de B-Movies de terror.

por max 14. setembro 2011 13:14

 

Eu gosto de encontrar pessoas fascinantes ao longo do caminho das leituras, as pessoas que viveram vidas de personagens fictícios. William Seabrook é uma delas. Nascido em 1884 em Maryland, Seabrook é um daqueles americanos da segunda década do século XX que veio descobrir o mundo, que acreditava na aventura, na epopéia, no esotérico e na escritura. Alguns o colocam ao lado dos escritores norte-americanos da chamada Geração Perdida, dentre os quais estão Hemingway, Steinbeck e Faulkner. Ele era um homem educado, um artista típico do seu tempo, decepcionado do empório da razão, crítico da modernidade. Seabrook experimentou a decepção da Primeira Guerra Mundial e as preocupações artísticas e existenciais compartilhando muitas semelhanças às dos surrealistas e dadaístas. Seu tempo foi um tempo que postulava a busca por novas fronteiras, mais escuras, piores, do mal, para explicar o espírito humano que havia caído na armadilha da razão absoluta. Seabrook estudou metafísica e filosofia na Europa, mas esteve também profundamente interessado em magia e esoterismo. Ele fez fortuna como empresário, mas se tornou enfermeiro na Primeira Guerra Mundial. Foi afetado pelo gás mostarda, recebeu a Cruz de Guerra e de volta ao seu país decidiu mudar sua vida. Ele se mudou para New York e trabalhou como repórter nada mais e nada menos do que The New York Times. Ele começou a escrever ficção. Conheceu H. L. Mencken, fundador da Black Mask e se acolheu sob sua asa literatura. Em 1920, conheceu Aleister Crowley, chamado de 666, a Besta, o pior homem do mundo. Crowley foi uma figura controversa, viciado em drogas, homossexual, um praticante de magia negra, que tinha alcançado grande popularidade na época. A reunião entre os dois é narrada pelo escritor como uma fábula na história "Wow". Logo depois, ele começaria sua famosa viagem. Seabrook queria escrever reportagens inéditos e acima de tudo, conhecer o que ele considerava os segredos que davam poder e transcendência. Ele esteve nos territórios árabes, entre os beduínos, disse que tinha descoberto lugares secretos, pessoas com mistério e sabedoria, contou isso no livro Aventuras da Arábia. Em 1928 ele também viajou para o Haiti. Esteve lá durante um ano e daquela a experiência veio outro livro, A Ilha Mágica. Seabrook falou do país, da política, da sociedade, e de outras coisas que fizeram que o livro ficasse famoso. Seabrook foi introduzido nas profundezas das práticas religiosas da ilha, disse ele, sob a tutela da Mãe Celie, uma antiga sacerdotisa que o levou a descobrir a existência de mortos vivos que trabalhavam no campo, ou seja, trabalhadores mortos escravos dos vivos. Ele estava se referindo, é claro ao vodu e sua magia. Por A Ilha Mágica Seabrook recebeu dos editores um monte de dinheiro: 15 mil dólares com antecedência. Não estavam errados, o livro foi um best-seller. Seabrook mais tarde publicou outro livro, Dias da selva, descrevendo sua viagem para a Costa do Marfim. Ali narra sua estadia de oito meses com a tribo canibal gueré e afirma ter comido carne humana. Conta no livro: "Entre as carnes que já comi, o bezerro é o único que pode ser comparado com grande precisão com a carne humana."

Falando de vodu e canibalismo, Seabrook se tornará um dos primeiros americanos a introduzir um tema que será, então, fundamental na cultura popular americana: zumbis.

Quanto ao cinema, um filme que reflecte o património do Seabrook é Epidemia de Zumbis (The Plague of Zombies, 1966), um desses filmes B da produtora Hammer. Claro, antes houve filmes de zumbis que também ecoavam a voz de Seabrook. A partir de 1943 temos o filme I Walk with a Zombie, onde se fala de vodu e de amor e acontece numa plantação remota e obscura. Seabrook escreveu uma história chamada "A pálida mulher de Toussel ", que já incluia o tema da donzela, o amor, o marido ruim e os zumbis. Também em 1943, Revenge Of Zombies fala da mulher e os zumbis com o personagem Lila, uma garota de Louisiana (estado herdeiro de vodu), que é convertida em zumbi e ainda se rebela contra seu criador, Max von Altermann, um médico que prepara um exército de zumbis para fazê-lo servir à ideologia nazista. Lembre-se que Seabrook falou de plantações no Haiti, onde trabalhavam muitos escravos zumbis. É claro que os zumbis como servos de intenções sombrias dos poderes político e econômico é um motivo presente desde o início (Dead Snow 2009, um filme cheio de zumbis nazistas é um dos mais recentes filmes sobre este assunto). Assim, vemos também que I Eat Your Skin, filme de 1964 que se passa em uma ilha do Caribe, desenvolve o tema de zumbis selvagens que fazem parte de um exército sob o comando de uma mente criminosa. Eu aqui vou fazer uma nota marginal no mesmo texto: já em 1974, Let Sleeping Corpses Lie, começa a aparecer o nascimento de zumbis ligado à ciência. O vínculo com Seabrook continua, no entanto, os zumbis neste filme surgem também em plantações distantes, onde um grupo de agricultores ambiciosos (fomos da plantação haitiana à plantação em Louisiana e de lá para qualquer plantação nos EUA) produziram pesticidas letais que matam as pessoas que tornam-se zumbis. A magia do vodu, como vemos, começa a se transformar em ciência corrompida (magia negra), preenchendo o imaginário zumbi nos últimos anos (basta lembrar a série de filmes Resident Evil).

Mas voltando à Epidemia de zumbis. Epidemia de zumbis, o filme herdeiro da tradição Seabrook, se concentra em uma cidade distante chamada Cornwall. Lá, misteriosamente começam a morrer os trabalhadores mais jovens e mais fortes. Na trilha dessas mortes vem Sir James Forbes e sua filha Sylvia. Sylvia, a personagem feminina, como acontece em outros filmes de zumbi, é um pedaço capital da trama, ela é seqüestrada por Squire Hamilton, o proprietário de uma mina abandonada que viveu alguns anos no Haiti e conhece as práticas do vodu. Eles logo descobrem que Hamilton está usando tais práticas para criar um exército de zumbis escravos para trabalhar para ele na mina. Sem dúvida, o legado de William Seabrook está presente.

Um monte de imagens religiosas, maquiagem muito escura, muito mistério e muita ação, Epidemia de Zumbis é um daqueles clássicos que você pode desfrutar no ciclo de terror dedicado às B-Movies que Max preparou para esta e todas as quintas-feiras do mês de setembro.

Assista. Quinta-feira 15, meia-noite e descubra Max.

222 vinheta 2

por max 14. setembro 2011 03:09

 

Foi ler a sua poesia e brincar de ser famoso, a grande fama o perseguia. Perfeito, onde tinha uísque, ele podia estar. Um alcoólatra é alguém a temer e que bebe tanto quanto você. Mas o alcoólico colapsa e sofre. Era outubro, estava doente e tinha acabado de fazer 39 anos de idade. Seu nome era Dylan Thomas, seu nome despertava medo e sensualidade. Ele disse para a menina ir para a cama com ele e a cama ficou revolta. Liz era o seu nome, era a assistente de John Brinnin, diretor do Centro de Poesia, onde ele estava lendo, em algum momento de sua visita a Nova York. Era um local importante aquele centro. Mas ele só queria beber mais e que as sombras que o levantavam enquanto ele bebia continuassem a levanta-lo. Ser famoso para beber, apenas a bebida justifica a fama. Então Dylan bebeu e bebeu de novo e uma noite ele bebeu dezoito uísques e caminho para o hotel pensou em cavalos brancos e recordou os seus versos. A morte pretende domínios, está sempre atrás do copo de uísque, disse ele. Mas a morte não terá esses domínios, assim dizia e diz seu poema. A morte não pode ser contra a alma, contra o amor, contra a constante re-emergência da vida. Pensava isto e chegava ao hotel e atravessava a entrada com Liz ao seu lado. Em algum lugar, algum quarto, dois artistas que vieram para conhecê-lo e que não o encontraram, tinham agora sexo selvagem e bêbado. Eles eram Jack Kerouac e Gore Vidal. Se Dylan tivesse tido conhecimento disso, poderia ter sorrido, corroborando a idéia de que a morte nunca vencerá, enquanto uns estão morrendo outros vivem com violência o arrebatamento da vida. Ele estava passando mal e falou comLiz. Liz, ele amava aquela garota que mal conhecia. Liz era o amor da sua vida naquele momento, fugaz e eterno. Ele se sentiu muito mal, algo escuro o assombrava e desintegrava as forças do seu corpo. Mas ele tinha aquela garota e a amava. Que a morte se danasse, a morte não teria nenhum domínio maldito. Mais tarde ele foi tratado por um médico. Passaram dias, passaram dias? Dylan pensava em cavalos. Em cavalos brancos. Talvez porque tinha estando bebendo na famosa taverna com esse nome. White Horse, na Hudson, com 11, a taverna dos artistas. Sim, tinha estado lá. Fazia horas, fazia dias? Agora, na cama, sua cabeça estava fervendo e via cavalos a galope nas pastagens galesas. Ele não podia falar, não podia contar para ninguém aquela beleza. Onde estava Liz, onde estava a sua esposa, onde todos os amores de sua vida? Um dia ele foi injetado com morfina, não voltou a abrir os olhos. Naquele quarto do hotel Chelsea, nos espelhos, sob a cama, dentro das gavetas e na palma da mão do poeta cresceram os campos do País de Gales. E havia cavalos brancos e foi o fim de Dylan Thomas. Mesmo assim, o tempo disse que a morte não tinha domínio sobre ele.

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222, vinheta 1

por max 8. setembro 2011 09:28

 

A sala está cheia de sombras de pássaros, alguns em silêncio, outros batendo as asas. A tarde apóia-se na cama morta, vazia anônima e desordenada. Morta por causa do vácuo e do caos, é apenas fica uma quietude muito etérea perto da morte, uma morte confortável. Ele escreve e lembra da garota. Ela é, talvez, uma daquelas sombras de pássaros nas paredes de seu quarto, uma das estáticas, quase tímida. Imagina que ela está fora na avenida, dando o rosto para a multidão que a admira. Na onda de fãs, um holofote poderoso, o foco da Fama. Na sala escura, no entanto, lança sua sombra que é na realidade um pássaro frágil dado a confusão. Lembra dela inquieta, recorda a sua excitação, como se ela pulasse na grama, procurando subsistência, balançando a cabeça para cima e para baixo, na verdade, entre as suas pernas. Lembra dela também poucos minutos antes, deitada no sofá, um peito para fora e uma garrafa na mão, cheia de coragem e ternura. Foi uma pássara brava, valente, cheia de coragem, sim, e a sua coragem tinha algo de inocência, de ternura, de absurdo. A valentia pode ser estúpida. Mas, afinal, ele que é um idiota, terminou assistindo a menina coragem, a menina famosa fazendo um bom trabalho na virilha dele, onde a delícia é mastigada. O seu coração e a sua voz eram uma lenda. Mas ele não queria o som da voz. Ele queria os lábios da boca, a saliva da boca. Ele estava lá pela carne. Pela carne e claro, pelo dinheiro. Em Manhattan sempre se está pelo dinheiro. Manhattan a frívola, a da moda que gostamos, a das pílulas de dieta. Manhattan a das pessoas bonitas. Ela deu uma gargalhada. "Eu gosto de homem bonito, mas você vai ser uma exceção." E mais tarde, quando a sua cabeça estava entre as pernas dele, ele disse, "Você também é uma menina muito feia." Ela parou, se jogou para trás em cima da cama, deu um gole, riu de novo fazendo um estrondo gostoso: "Não importa, somos feios, mas temos a música." Ele e suas lembranças, talvez estão no quarto n º 2 do Hotel Chelsea. Ele pode precisar dela, talvez não. O que é certo é que seu nome é Leonard Cohen e que ela se chamava Janis, Janis Joplin.

Educação, ou a ética do amor e da vida

por max 8. setembro 2011 09:02

 

Não vamos mencionar que os tempos variam muito, talvez não seja assim. Mas hoje, vamos dizer que se uma garota encontra um homem mais velho e o homem a convida para jantar, para ir ouvir jazz, para visitar outros países. A única coisa que talvez seja importante é que a menina tem 16 ou 17 anos. Fora disso, tudo o resto é bom, certo? Se a menina tivesse 20 anos de idade e o homem 50, não seria tão ruim. Diríamos, assim, o velho está levando vantagem. Iamos zombar, iamos ficar chocados. Sim, eu sei, não é igual em todos os lugares, mas casos como estes abundam, sem dúvida. O homem de 50 anos de idade ia levar a menina para fazer todas essas coisas, e finalmente acabaria largando a garota. Ela ia sofrer, mas também ia ficar com a alegria da experiência. Teria conhecido Paris e depois ia continuar com a sua vida, acabar com os seus estudos, ter um outro namorado, conseguir um bom emprego, fazer sucesso. Quero dizer, que o evento seria só uma coisa a mais em sua vida, uma recordação, uma experiência mais ou menos dolorosa e mais ou menos perceptível "bonita". Mas voltando à idéia de que a menina tivesse 16 anos e o homem tivesse uns 30 anos de idade. Em nossos tempos, o escândalo seria legal e ideológico. Estamos em tempos de movimentos, bandeiras, direitos e protestos que envolvem um elemento sempre legal, constitucional. Tudo estaria centrado na questão da diferença de idade, o mais velho seria um monstro, a menina uma vítima. O assunto seria exemplar para as boas causas, bucha de canhão. Na Inglaterra, em 1961, um caso similar conheceu outras formas, outras implicações, outras conotações, como é refletido no filme Educação (An Education, 2009) pela diretora Lone Scherfig (Italiano para Principiantes, Wilbur Wants to Kill Himself). Aqui, paradoxalmente, é a família, especialmente o pai, interpretado por Alfred Molina, que dá permissão para a relação desigual. Jenny Mellor (Carey Mulligan) é uma menina inglesa de 16 anos de idade, muito inteligente, acima da média no seu subúrbio e o sonho dos seus pais é usar a sua inteligência para que possa ir estudar em Oxford, onde vai continuar a sua educação, mas acima de tudo, pelo seu avanço social. E é aí que está o busílis. Jenny não está sendo educada para se tornar uma futura profissional que pode ser integrada a um sistema de trabalho e se manter a si mesma. Não, Jenny é enviada para Oxford para que lá, entre a nata da sociedade britânica, conheça um companheiro que possa fazê-la subir de nível social e portanto, por sua vez, elevar a sua família. A mulher continua a ser um objeto, uma propriedade do sistema do poder masculino. Então, quando você vê este homem de 30 anos, David Goldman (Peter Sarsgaard) que começa a cortejar a jovem Jenny, as negativas são de curta duração. Goldman é um cavalheiro, charmoso, rico, torna-se uma oportunidade para avançar na promoção da família. Jenny, por sua vez, é muito sonhadora e inteligente. Esta necessidade de aprender mais e mais, leva a sonhar mais do que deveria e isso aumenta o desejo de deixar o subúrbio. Isto a torna uma presa fácil, pois quando a oportunidade se apresenta, seu desejo é grande. Mas a questão é a seguinte: ela é completamente uma vítima? Não está também se aproveitando da situação? A decepção no final é uma farsa? Não sei se cabe aqui falar de moralidade. É o sopro da vida em que os personagens fazem coisas, uma ética de fazer para crescer, para viver, para aprender com a vida, resistir contra o vazio de tédio existencial. O que é dado e o que não é dado, o tabu e a verdade, a verdadeira educação, o crescimento, o engano, o interesse social. Educação é uma fábula com uma queda cheia de leituras e performances magistrais. Porque em termos de ações, devemos lembrar que Carey Mulligan foi indicada ao Oscar por este desempenho excelente, e ganhou o BAFTA, o British Independent Film Awards, o Independent Spirit Awards, o London Film Awards Critics Circle, entre outros prêmio na categoria de Melhor Atriz.

Educação, em setembro descubra a Max.

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